Una donna chiamata Maixabel, la recensione: una storia vera che rifiuta la violenza

Dietro la spessa mole di parole, e la fitta cronaca, è facilmente decifrabile l'intento di Icíar Bollaín, una delle registe spagnole più attive, che in carriera ha toccato un po' tutti i generi (viene da una commedia, Il matrimonio di Rosa). È decifrabile perché Una donna chiamata Maixabel (solito titolo italiano allungato: non bastava solo Maixabel?) è un film molto più semplice di come vorrebbe apparire, mettendo al centro della narrazione un'equazione forse scontata ma sempre attuale: la violenza è sopravvalutata. Per questo, la costruzione del film - partendo da una storia vera - si rivela poi asciutta, dritta, legata ai Fatti con F maiuscola, ma indispensabilmente legata anche alle persone coinvolte. E quindi agganciata ai riflessi umani che giocheranno un ruolo fondamentale nella vicenda.

Come poche volte accade, la sceneggiatura scritta insieme a Isa Campo mantiene una fermezza assoluta, esaltando il valore del racconto in un contesto sociale e politico che ha segnato la storia della Spagna, senza però perdere di vista la costante ricerca dell'umanità. Una ricerca, quella della Bollaín, che passa attraverso i dettagli, gli sguardi e le stesse parole. Parole incessanti e serrate, a cui la regista concede lo spazio necessario ponendosi - rispettosamente - mezzo passo indietro. Una donna chiamata Maixabel, infatti, è il classico film in cui la regia è presente senza però prendere il sopravvento: lo vediamo dal taglio, dallo sguardo, dai campi larghi che, poi, finiscono per incorniciare i volti e le emozioni dei protagonisti. Candidato a cinque premi Goya (ne ha vinti due, attrice e attore non protagonista), il film da una parte è dunque un racconto ferreo, dall'altra è un accorato appello all'ascolto, senza mai scendere nel pietismo o nella sfacciata emotività.

Maixabel, una storia vera

La stessa trama, tra l'altro, parte e si dirama da una frase emblematica pronunciata da Maixabel Lasa: "Tutti meritano una seconda possibilità". Maixabel, interpretata da Blanca Portillo, è la vedova di Juan María Jaúregui, politico socialista (nonché ex ETA, uscendo però nel 1972 non condividendo i moti violenti) che venne assassinato a Tolosa nel 2000 da una squadriglia dell'ETA, tornata attiva dopo due anni di tregua (la stessa tregua permanente annunciata e rispettata nel 2011, con lo scioglimento definitivo datato 2018). Le indagini porteranno all'arresto i colpevoli, condannati a 39 anni di detenzione.

Tuttavia, la pellicola di Icíar Bollaín, presentata al Festival di San Sebastian, si concentra sul capitolo successivo alla vicenda: è il 2014, e uno dei terroristi, Ibon Etxezrreta (Luis Tosar, tra i più grandi attori europei), chiede di incontrare la vedova. Sta scontando la sua pena nel carcere di Nanclares de la Oca, ad Álava, intanto che Maixabel Lasa è stata nominata direttrice della Oficina de Atención a las Víctimas del Terrorismo. Qui, la vicenda reale, viene raccontata da Icíar Bollaín con il giusto tatto cinematografico, soffermandosi così sul percorso che ha preceduto l'incontro.

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Tra la violenza e la speranza

Come scritto all'inizio della recensione, Una donna chiamata Maixabel asciuga la messa in scena per analizzare, con la giusta oggettività, il pensiero dietro le vittime e dietro i carnefici. Sembra un cortocircuito, eppure mette in chiaro qualcosa di molto complesso quando dice che lei "è legata per sempre ai terroristi". Per questo, l'accusa - che resta, che non può essere lavata - condivide la scena con il perdono. Attenzione, però: il perdono di cui si parla non è quello cristiano-cattolico, bensì quello che aperto all'ascolto, in qualche modo avvitato sul piano della consapevolezza. Dunque, sul piano dell'umanità. Un'umanità sempre presente, che la regista osserva con discrezione, quasi a non voler disturbare (la colonna sonora, per esempio, è ridotto al minimo, praticamente assente).

Certo, fin da subito l'atmosfera è densa, e potrebbe non essere subito recepita: per questo, nella sua verbosità che parte in medias res, bisogna fermarsi alla circolarità e alla totalità del film, che riflette in modo preciso gli umori delle parti in causa. Anche per questo, la fotografia di Javier Agirre è pervasa di toni grigi, per poi aprirsi ai colori più vivi solo nel bel finale. Un finale che mischia passato e presente, azioni e conseguenze, politica e realtà (perché la realtà è ben distante dalla politica). E mischia, in un grande colpo scenico, coloro che hanno scontato (e tutt'ora scontano) le conseguenza della violenza. I loro percorsi, tortuosi e drammatici, culminano idealmente in una sequenza finale che racchiude il senso stesso del perdono: creare dall'odio la speranza necessaria per andare avanti, affinché la violenza non prevalga. Mai.